La morte della Vergine è l'ultima opera che realizza Caravaggio prima di fuggire da Roma. Di questo dipinto a olio colpisce e sconvolge: la figura della Madonna priva di sacralità , se non fosse per la sottile aureola; l’ambientazione come un palcoscenico, non di un teatro, della vita! il contrasto tra luce e buio che per Caravaggio è sempre ben studiata e accentua le espressioni (Leonardo) e la muscolatura ( Michelangelo). la prospettiva centrale nonostante i personaggi siano posti in modo trasversale.
Brava, Desirè!! Una piccola nota, qui è poco percepibile l'influenza michelangiolesca. Mentre, gli studi su Leonardo sono stati avviati da Caravaggio sin dal periodo giovanile, il cui esito saranno le espressioni che caratterizzano i personaggi di alcune sue opere.
La morte della vergine è un'opera rinascimentale. Rappresenta il momento in cui Maria Maddalena e gli apostoli piangono davanti al corpo senza vita della Madonna.A me colpisce come tutti i personaggi siano rappresentati in modo da trasmettere il reale dolore che provano coloro che perdono una persona cara,infatti Caravaggio in questo dipinto, dà maggiore importanza alle emozioni umane quasi lasciando in secondo piano l'aspetto religioso.
Io sono d'accordo con i miei compagni. In più a me colpisce il fatto che Caravaggio usi un tratto molto uniforme, continuo e immediato per definire con precisione la fisionomicità dei corpi dei personaggi. Trovo molto interessante come lo stesso artista aveva una forte sensibilità per le luci e le ombre utilizzate per rendere al meglio i sentimenti del soggetto rappresentato.
Luciana Santoro mi colpisce il corpo di Maria adagiato di lato su una semplice panca di legno, irrigidito dalla morte. Il ventre gonfio (comune per i morti per annegamento). La figura di Maria è il dramma della sua morte in una dimensione quotidiana e umana. Maddalena che piange in primo piano su una sedia, così come gli Apostoli, ognuno ha un’espressione del proprio dolore. Con questa visione del dolore, Caravaggio mostra una profonda religiosità. Infatti, non alza l’uomo a Dio ma cerca di portare Dio fra gli uomini. Sono d’accordo con miei compagni e aggiungo che l’ambientazione del dipinto è cupa. La luce proviene dal dietro, forse da un’alta finestra. La luce rappresenta anche il simbolo della grazia divina. E’ per questo che sottolinea l’espressioni dei volti. Il risultato è straordinario come se la scena si svolgesse su un palcoscenico. Il palcoscenico di Caravaggio è però quello realistico della vita sul quale vediamo in silenzio il dramma quotidiano della sofferenza umana.
Caravaggio riceve un ennesimo rifiuto dai committenti che rimangono scandalizzati dall'eccessiva povertà e dell'opera; viene ritenuto oltraggiosa nei confronti della vergine, perchè è ritratta in una dimensione umana. Inoltre è difficile capire che si tratta della vergine se non per il titolo dell'opera e per l'aureola accennata. Rispetto alle rappresentazioni che siamo abituati a vedere in questa scena è assente ogni tipo di riferimento sacro. L'ambiente è cupo e spoglio, se non per il drappo rosso. La luce provenie da sinistra, simboleggia il divino che scende nel mondo del peccato proprio come nella "vocazione di San Matteo".
Gloria Pisano Alcuni storici attribuiscono la figura della vergine a quella di una prostituta morta annegata. Inoltre, i personaggi sono rappresentati tutti in primo piano e la profondità, quindi, è limitata a pochi metri a causa della sovrapposizione dei corpi.
Morrone Monica È un'opera rinascimentale e rappresenta il momento in cui Maria Maddalena e gli apostoli piangono davanti al corpo della Madonna distesa su una panca. Nella parte superiore del dipinto é presente un drappo rosso che è simbolo di sangue e violenza. Gli altri personaggi sono molto addolorati e tristi. I colori sono molto caldi e si nota una forte sensibilità per le luci e le ombre utilizzate per rendere al meglio i sentimenti del soggetto rappresentato. La luce proviene dal retro e percorre la scena in obliquo facendo risaltare il dolore nei volti dei personaggi.
Roberta Spinelli L’opera, realizzata a olio su una tela di juta piuttosto grezza, fu dipinta da Caravaggio a Roma nel 1605 per la cappella dell’avvocato Cherubini, situata nella Chiesa di Santa Maria della Scala, nel quartiere romano di Trastevere. L’immagine della Madonna fu però considerata irriverente e il committente rifiutò l’opera. La scena è collocata in un ambiente povero e spoglio; si intravedono solo la parete macchiata alle spalle dei personaggi e piccole parti del soffitto in legno e del pavimento. Nella stanza sono presenti pochissimi mobili; un catino pieno di aceto per lavare il corpo della Madonna e un drappo rosso che pare dividere in due l’ambiente. Notiamo che il corpo senza vita della Madonna non è disposto parallelamente al piano del dipinto, ma è leggermente in scorcio, accentuando così il senso di profondità dello spazio. Il suo ventre gonfio fa ipotizzare che la modella di Caravaggio (si pensa una prostituta) sia stata dipinta con una morte per annegamento. L'ambientazione è cupa, con una sola luce che parte dall'alto, a sinistra. Il gioco di luce e ombre, porta l'osservatore a rimanerne incantato e colpito.
L’opera “La morte della Vergine” chiude la carriera artistica di Caravaggio a Roma. Anche quest’opera viene rifiutata perché la Vergine presenta caratteristiche simili alle donne conosciute da Caravaggio stesso nelle strade di Roma, come se venisse banalizzata... é quindi realistica; l’artista si ispira ad una prostituta morta annegata nel Fiume Tevere, la Madonna ha infatti il ventre gonfio e le caviglie scoperte: tipico di chi muore per annegamento. L’aureola che la Vergine ha sul capo é l’unico elemento che allude al mondo divino. Vi sono poi gli apostoli che mostrano sofferenza dinanzi alla sua morte. É evidente anche il drappo rosso: simbolo di violenza e dolore che appartiene alla quotidianità di tutti; Caravaggio quindi rappresenta un momento sacro in maniera ordinaria ed é proprio questo che colpisce: nonostante le sue opere vengano respinte, lui continua imperterrito a ribellarsi ad ogni forma di idealizzazione, esprimendo quindi il suo concetto di arte.
Ginevra Scavo la tela venne commissionata al pittore dall’ordine religioso dei Carmelitani Scalzi, che però rimasero scandalizzati dall'opera e rifiutarono l'opera. Spinto dal suo forte animo provocatorio, Caravaggio vuol far vedere a tutti una scena estremamente povera e sulla tela l’artista dipinge proprio il momento in cui la vita della Vergine termina. Accanto a lei, si possono scorgere alcuni uomini, gli Apostoli, disperati per la morte di Maria e seduta su una sedia, c’è Maria Maddalena, anche lei ritratta triste per la perdita della Vergine. Si tratta di una delle immagini morte più rivoluzionarie di tutta la storia dell’arte: diversamente da altre opere, in questa scena è assente ogni riferimento al sacro, e non c’è alcun indizio che possa suggerire il riconoscimento della Vergine.
Alina kutsevol Ciò che colpisce di più dell’opera è l scena “shock” che descrive la morte della Vergine nella sua cruda verità. Troppo simile alla morte di una donna qualsiasi, troppo somigliante la Vergine ad una donna del popolo, sicuramente raffigurata in modo poco decoroso con le gambe scoperte e il ventre gonfio. Non s’era mai vista la Madonna rappresentata senza quelle caratteristiche che la identificano come la Madre di Cristo e Vergine senza peccato. L’unico elemento divino che Caravaggio dipinge è un sottile cerchio dorato dietro la testa di Maria, ma non bastava per far accettare un dipinto.
Mi trovo d’accordo con tutti i miei compagni, posso aggiungere che in particolar modo fecero scandalo i piedi ritratti nudi fino alle caviglie e che secondo un’interpretazione del poeta la Vergine è ritratta come una giovane, perché rappresenta allegoricamente la Chiesa immortale, mentre il ventre gonfio, rappresenta la grazia divina di cui è "gravida".
Marica D'Andrea Per la prima volta qui la Vergine viene rappresentata in un modo diverso dal solito, infatti qui è quotidiana, con elementi troppo umani, perciò la Vergine viene raffigurata come una donna del popolo tranne però per l’areola. Per questo motivo venne ritenuta irrispettosa nei confronti della Madonna. Le espressioni sono sono tramandati da Leonardo Da Vinci. La scena è tipicamente teatrale facendo così capire che la vita è come un palcoscenico, dove si consuma il dramma quotidiano.
Io sono dello stesso parere di Matteo, infatti anche a me colpisce tanto il fatto che i personaggi rappresentati trasmettono vero dolore e in più l'artista ha avuto una forte sensibilità per le luci e le ombre per migliorare i sentimenti Francesco Volpe
Antonio Candelieri Ciò che mi ha colpito dell’opera ’La morte della Vergine’ di Caravaggio è senza dubbio il contrasto tra luce e ombra, accentuato dalle espressioni di Leonardo e dalla muscolatura di Michelangelo. Affascinante è anche il colore rosso che salta immediatamente all’occhio. Il vestito della Vergine e l’arazzo nella parte alta della stanza sono infatti dipinti con questo colore. Particolare è la raffigurazione della Vergine completamente diversa da come l’hanno dipinta altri artisti in passato, basta guardare il suo ventre, stranamente gonfio a simboleggiare la grazia divina che riempie la Vergine.
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RispondiEliminaLa morte della Vergine è l'ultima opera che realizza Caravaggio prima di fuggire da Roma. Di questo dipinto a olio colpisce e sconvolge:
RispondiEliminala figura della Madonna priva di sacralità , se non fosse per la sottile aureola;
l’ambientazione come un palcoscenico, non di un teatro, della vita!
il contrasto tra luce e buio che per Caravaggio è sempre ben studiata e accentua le espressioni (Leonardo) e la muscolatura ( Michelangelo).
la prospettiva centrale nonostante i personaggi siano posti in modo trasversale.
Brava, Desirè!! Una piccola nota, qui è poco percepibile l'influenza michelangiolesca. Mentre, gli studi su Leonardo sono stati avviati da Caravaggio sin dal periodo giovanile, il cui esito saranno le espressioni che caratterizzano i personaggi di alcune sue opere.
RispondiEliminaLa morte della vergine è un'opera rinascimentale. Rappresenta il momento in cui Maria Maddalena e gli apostoli piangono davanti al corpo senza vita della Madonna.A me colpisce come tutti i personaggi siano rappresentati in modo da trasmettere il reale dolore che provano coloro che perdono una persona cara,infatti Caravaggio in questo dipinto, dà maggiore importanza alle emozioni umane quasi lasciando in secondo piano l'aspetto religioso.
RispondiEliminaIo sono d'accordo con i miei compagni. In più a me colpisce il fatto che Caravaggio usi un tratto molto uniforme, continuo e immediato per definire con precisione la fisionomicità dei corpi dei personaggi. Trovo molto interessante come lo stesso artista aveva una forte sensibilità per le luci e le ombre utilizzate per rendere al meglio i sentimenti del soggetto rappresentato.
RispondiEliminaLuciana Santoro
RispondiEliminami colpisce il corpo di Maria adagiato di lato su una semplice panca di legno, irrigidito dalla morte. Il ventre gonfio (comune per i morti per annegamento).
La figura di Maria è il dramma della sua morte in una dimensione quotidiana e umana. Maddalena che piange in primo piano su una sedia, così come gli Apostoli, ognuno ha un’espressione del proprio dolore. Con questa visione del dolore, Caravaggio mostra una profonda religiosità. Infatti, non alza l’uomo a Dio ma cerca di portare Dio fra gli uomini.
Sono d’accordo con miei compagni e aggiungo che l’ambientazione del dipinto è cupa.
La luce proviene dal dietro, forse da un’alta finestra. La luce rappresenta anche il simbolo della grazia divina. E’ per questo che sottolinea l’espressioni dei volti. Il risultato è straordinario come se la scena si svolgesse su un palcoscenico. Il palcoscenico di Caravaggio è però quello realistico della vita sul quale vediamo in silenzio il dramma quotidiano della sofferenza umana.
Bravi ragazzi!!!
RispondiEliminaCaravaggio riceve un ennesimo rifiuto dai committenti che rimangono scandalizzati dall'eccessiva povertà e dell'opera; viene ritenuto oltraggiosa nei confronti della vergine, perchè è ritratta in una dimensione umana. Inoltre è difficile capire che si tratta della vergine se non per il titolo dell'opera e per l'aureola accennata. Rispetto alle rappresentazioni che siamo abituati a vedere in questa scena è assente ogni tipo di riferimento sacro. L'ambiente è cupo e spoglio, se non per il drappo rosso. La luce provenie da sinistra, simboleggia il divino che scende nel mondo del peccato proprio come nella "vocazione di San Matteo".
RispondiEliminaGloria Pisano
RispondiEliminaAlcuni storici attribuiscono la figura della vergine a quella di una prostituta morta annegata.
Inoltre, i personaggi sono rappresentati tutti in primo piano e la profondità, quindi, è limitata a pochi metri a causa della sovrapposizione dei corpi.
Morrone Monica
RispondiEliminaÈ un'opera rinascimentale e rappresenta il momento in cui Maria Maddalena e gli apostoli piangono davanti al corpo della Madonna distesa su una panca. Nella parte superiore del dipinto é presente un drappo rosso che è simbolo di sangue e violenza. Gli altri personaggi sono molto addolorati e tristi. I colori sono molto caldi e si nota una forte sensibilità per le luci e le ombre utilizzate per rendere al meglio i sentimenti del soggetto rappresentato. La luce proviene dal retro e percorre la scena in obliquo facendo risaltare il dolore nei volti dei personaggi.
Roberta Spinelli
RispondiEliminaL’opera, realizzata a olio su una tela di juta piuttosto grezza, fu dipinta da Caravaggio a Roma nel 1605 per la cappella dell’avvocato Cherubini, situata nella Chiesa di Santa Maria della Scala, nel quartiere romano di Trastevere.
L’immagine della Madonna fu però considerata irriverente e il committente rifiutò l’opera. La scena è collocata in un ambiente povero e spoglio; si intravedono solo la parete macchiata alle spalle dei personaggi e piccole parti del soffitto in legno e del pavimento. Nella stanza sono presenti pochissimi mobili; un catino pieno di aceto per lavare il corpo della Madonna e un drappo rosso che pare dividere in due l’ambiente.
Notiamo che il corpo senza vita della Madonna non è disposto parallelamente al piano del dipinto, ma è leggermente in scorcio, accentuando così il senso di profondità dello spazio. Il suo ventre gonfio fa ipotizzare che la modella di Caravaggio (si pensa una prostituta) sia stata dipinta con una morte per annegamento.
L'ambientazione è cupa, con una sola luce che parte dall'alto, a sinistra. Il gioco di luce e ombre, porta l'osservatore a rimanerne incantato e colpito.
L’opera “La morte della Vergine” chiude la carriera artistica di Caravaggio a Roma. Anche quest’opera viene rifiutata perché la Vergine presenta caratteristiche simili alle donne conosciute da Caravaggio stesso nelle strade di Roma, come se venisse banalizzata... é quindi realistica; l’artista si ispira ad una prostituta morta annegata nel Fiume Tevere, la Madonna ha infatti il ventre gonfio e le caviglie scoperte: tipico di chi muore per annegamento. L’aureola che la Vergine ha sul capo é l’unico elemento che allude al mondo divino. Vi sono poi gli apostoli che mostrano sofferenza dinanzi alla sua morte. É evidente anche il drappo rosso: simbolo di violenza e dolore che appartiene alla quotidianità di tutti; Caravaggio quindi rappresenta un momento sacro in maniera ordinaria ed é proprio questo che colpisce: nonostante le sue opere vengano respinte, lui continua imperterrito a ribellarsi ad ogni forma di idealizzazione, esprimendo quindi il suo concetto di arte.
RispondiEliminaGinevra Scavo
RispondiEliminala tela venne commissionata al pittore dall’ordine religioso dei Carmelitani Scalzi, che però rimasero scandalizzati dall'opera e rifiutarono l'opera. Spinto dal suo forte animo provocatorio, Caravaggio vuol far vedere a tutti una scena estremamente povera e sulla tela l’artista dipinge proprio il momento in cui la vita della Vergine termina. Accanto a lei, si possono scorgere alcuni uomini, gli Apostoli, disperati per la morte di Maria e seduta su una sedia, c’è Maria Maddalena, anche lei ritratta triste per la perdita della Vergine. Si tratta di una delle immagini morte più rivoluzionarie di tutta la storia dell’arte: diversamente da altre opere, in questa scena è assente ogni riferimento al sacro, e non c’è alcun indizio che possa suggerire il riconoscimento della Vergine.
Alina kutsevol
RispondiEliminaCiò che colpisce di più dell’opera è l scena “shock” che descrive la morte della Vergine nella sua cruda verità.
Troppo simile alla morte di una donna qualsiasi, troppo somigliante la Vergine ad una donna del popolo, sicuramente raffigurata in modo poco decoroso con le gambe scoperte e il ventre gonfio.
Non s’era mai vista la Madonna rappresentata senza quelle caratteristiche che la identificano come la Madre di Cristo e Vergine senza peccato.
L’unico elemento divino che Caravaggio dipinge è un sottile cerchio dorato dietro la testa di Maria, ma non bastava per far accettare un dipinto.
Mi trovo d’accordo con tutti i miei compagni, posso aggiungere che in particolar modo fecero scandalo i piedi ritratti nudi fino alle caviglie e che secondo un’interpretazione del poeta la Vergine è ritratta come una giovane, perché rappresenta allegoricamente la Chiesa immortale, mentre il ventre gonfio, rappresenta la grazia divina di cui è "gravida".
RispondiEliminaMarica D'Andrea
RispondiEliminaPer la prima volta qui la Vergine viene rappresentata in un modo diverso dal solito, infatti qui è quotidiana, con elementi troppo umani, perciò la Vergine viene raffigurata come una donna del popolo tranne però per l’areola. Per questo motivo venne ritenuta irrispettosa nei confronti della Madonna. Le espressioni sono sono tramandati da Leonardo Da Vinci. La scena è tipicamente teatrale facendo così capire che la vita è come un palcoscenico, dove si consuma il dramma quotidiano.
Io sono dello stesso parere di Matteo, infatti anche a me colpisce tanto il fatto che i personaggi rappresentati trasmettono vero dolore e in più l'artista ha avuto una forte sensibilità per le luci e le ombre per migliorare i sentimenti
RispondiEliminaFrancesco Volpe
Questo commento è stato eliminato dall'autore.
RispondiEliminaAntonio Candelieri
RispondiEliminaCiò che mi ha colpito dell’opera ’La morte della Vergine’ di Caravaggio è senza dubbio il contrasto tra luce e ombra, accentuato dalle espressioni di Leonardo e dalla muscolatura di Michelangelo. Affascinante è anche il colore rosso che salta immediatamente all’occhio. Il vestito della Vergine e l’arazzo nella parte alta della stanza sono infatti dipinti con questo colore. Particolare è la raffigurazione della Vergine completamente diversa da come l’hanno dipinta altri artisti in passato, basta guardare il suo ventre, stranamente gonfio a
simboleggiare la grazia divina che riempie la Vergine.